La belleza del cuadro es tan llamativa que no notamos la longitud antinatural de su cuello, la caída empinada de sus hombros y la manera rara que su brazo izquierdo se pone en el cuerpo. O, más bien, debemos decir que estas libertades que Botticelli se tomó con la naturaleza fueron para lograr un contorno elegante, realzar la belleza y la armonía del conjunto y así entre todos ellos refuerzan y nos dan la impresión de un algo infinitamente superior y de un ser delicado.

LA PRIMAVERA

Obra del 1482 con unas medidas de 203x314, actualmente en el museo de Uffizi de Florencia.

Según Varari, fue pintada para la villa de Castello, adquirida en 1477 por Lorenzo de Pierfrancesco de Medicis, por lo que hasta hace poco se creía realizada en ese año o posterior. Sin embargo, hoy sabemos que este cuadro , junto con el de Palas y Centauro decoro originalmente las estancias del Castillo de PierFrancesco en Florencia.

En concreto se situaron en la habitación contigua al dormitorio: la Primavera sobre un mueble llamado lettuccio, cuyas dimensiones coincidían con las del cuadro, y Palas y el Centauro, sobre la puerta.

La ubicación ligeramente alta La Primavera explica el punto de vista desde el cual están distribuidos las figuras, así como la altura de la línea de horizonte, algo más elevada de lo normal. Como dato interesante cabe destacar que PierFrancesco pagase por estas pinturas el doble del valor que entonces tenían realizadas por Paolo Uccello para Cosme de Medicis, estimada en 1492 en 50 florines cada uno desde que Warrburg interpreto esta pintura, han sido muchas las lecturas que se han hecho. En un principio fueron las literarias, entre las que cabe mencionar a la de Jacobsel, característica del gusto postromantico y del mito que en torno a Botticelli se origino con el decadentismo decimonónico.

Jacobsen vio en la Primavera un misterio relacionado con la muerte de Simonetta Vespucci, que alcanzada por la muerte renace en el Eliseo.

De las interpretaciones más rigurosas, destaca las de Wiind y la de Gombrirch. Wind centra su discurso en la teoría neoplatónica del amor, que justifica mediante la observacion estructural del cuadro, dividido en tres partes y construido por dos triadas simétricas. Así en la zona derecha identifica a la primera triada de personajes con Céfiro, el viento persiguiendo a Coris, convertida; tras ser poseída por su perseguidor, en Flora, la Hora de la Primavera, que esparce flores por el mundo.

Céfiro vendría a representar al amor, como un ciclón de pasión, mientras que Cloris personifica a la castidad. De su unión surge la victoriosa belleza de Flora, la primavera. Esta triada tiene su correspondencia con las tres gracias, identificada como Castitas, otra como Voluptas y la última como Pulcritus, quien reúne la templanza de la primera y la virtud de la segunda.

Descritas por Seneca y posteriormente por Alberti en su tratado sobre la pintura, las tres gracias se han considerado como la liberalidad, porque mientras una hermana da, otra recibe y la tercera devuelve el beneficio.

Para Wind es una danza cósmica que rige el universo neoplatónico, pues de la misma manera que se cierra un ciclo con las Gracias, en el circuito espiritual de Ficcino emana de Dios un flujo que produce en los seres una fuerza vivificante, mediante la cual era posible emprender el ascenso hacia las esferas superiores y conseguir la reabsorción con la divinidad.

Es este movimiento ascendente el que, para Wind, justifica la presencia de Mercurio ( en el lateral izquierdo del cuadro).

Gombrich, tomando como punto de partida una carta que Ficino envío precisamente en 1477 al joven Lorenzo de Pierfrancesco, se inclina a interpretar a la diosa Venus como Humanitas. En su carta Ficino exhorto al joven Medicis a que hallase en la devoción de esta imagen el equilibrio de todas sus dotes y dejo al cuidado de su amigos Vespuci y Naldi, entonces tutores de Lorenzo, el aprendizaje de tan valioso mensaje. Esto explicaría que el encargo fuera confiado a Botticelli, quizás por el mismo Vespucci.

En cuanto a la fuente literaria utilizada por el pintor, Gombrich señala las concordancias entre la descripción que Apuleyo hace en su Asno de Oro del Juicio de Parin y las imágenes de Botticelli.

La Natividad mística

Obra pintada hacia 1501, en temple sobre tela y con unas dimensiones de 108,5 x 75. Actualmente en el museo Nacional de Londres.

Unica obra de Botticelli fechada y firmada en tres líneas de inscripción escritas en griego a lo largo del margen superior (Yo Alessandro pinté este cuadro al final del año 1500 durante los conflictos de Italia, en medio tiempo después del tiempo, durante el cumplimiento del undécimo capitulo de San Juan, en el segundo ay del Apocalipsis, cuando el dominio anduvo suelto durante tres años y medio. Despues será encadenado de acuerdo con el duodécimo capitulo y le veremos caer como en este cuadro.)